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Né en 1976 à Natural Evora, Portugal, l'artiste vit et travaille à Lisbonne. Diplômé en peinture et en art multimédia de l'Université des Beaux-Arts d'Evora en 2004, il expose son travail depuis plus de 20 ans. Il a obtenu la 3ème place pour le prix Ariane de Rothschild lors d'une exposition au Palace Galveias en 2007, ce qui lui a permis de se faire connaître en Italie et en Espagne. L'artiste recherche constamment de nouvelles façons de créer et puise sa poésie dans le monde qui l'entoure. Ses travaux visent à redéfinir les images de notre société contemporaine, souvent obtenues à partir d'Internet. Il utilise une variété de matériaux en fonction de leur pertinence pour son travail. Rosado établit un lien entre l'art urbain et l'art contemporain. Il travaille avec rigueur, croyant au pouvoir du travail et des erreurs. Il consacre huit heures par jour à sa poésie, travaillant couche par couche avec des détails spécifiques à chaque peinture. Son objectif est de créer un équilibre harmonieux au sein d'un chaos visible.

Né en 1976 à Natural Evora, Portugal, l'artiste vit et travaille à Lisbonne. Diplômé en peinture et en art multimédia de l'Université des Beaux-Arts d'Evora en 2004, il expose son travail depuis plus de 20 ans. Il a obtenu la 3ème place pour le prix Ariane de Rothschild lors d'une exposition au Palace Galveias en 2007, ce qui lui a permis de se faire connaître en Italie et en Espagne.
<meta charset="utf-8">L'artiste recherche constamment de nouvelles façons de créer et puise sa poésie dans le monde qui l'entoure. Ses travaux visent à redéfinir les images de notre société contemporaine, souvent obtenues à partir d'Internet. Il utilise une variété de matériaux en fonction de leur pertinence pour son travail.&nbsp;
Rosado établit un lien entre l'art urbain et l'art contemporain. Il travaille avec rigueur, croyant au pouvoir du travail et des erreurs. Il consacre huit heures par jour à sa poésie, travaillant couche par couche avec des détails spécifiques à chaque peinture. Son objectif est de créer un équilibre harmonieux au sein d'un chaos visible.

David Rosado

DAVID ROSADO Cavity / decay 108.5 x 96 x 4.8 cm Acrylique sur papier et fibre de verre, feutre, colle de silicone spray, yeux en plastique, laine, graphite, structure en aluminium, vis 2022

DAVID ROSADO
Cavity / decay
108.5 x 96 x 4.8 cm&nbsp;
Acrylique sur papier et fibre de verre, feutre, colle de silicone spray, yeux en plastique, laine, graphite, structure en aluminium, vis
2022

Title

DAVID ROSADO - Cavity / decay

Default Title

DAVID ROSADO Archive #1 80 x 60 cm Acrylique sur toile 2020

DAVID ROSADO 
Archive #1
80 x 60 cm
Acrylique sur toile
2020

DAVID ROSADO - Archive #1

DAVID ROSADO In search of giants 160 x 140 cm (module polyptique ; 80 x 60 cm chacun) Acrylique sur toile 2020

DAVID ROSADO
In search of giants
160 x 140 cm&nbsp;(module polyptique ; 80 x 60 cm chacun)
Acrylique sur toile&nbsp;
2020

DAVID ROSADO - In search of giants

DAVID ROSADO Epoxy Salvatory 140 x 120 cm Acrylique sur toile 2021

DAVID ROSADO
Epoxy Salvatory
140 x 120 cm
Acrylique sur toile
2021&nbsp;

DAVID ROSADO - Epoxy Salvatory

Laurent, né en 1985, est un artiste passionné de graffiti basé près de Montpellier. Depuis 1997, il pratique la peinture, d'abord en tant que graffeur autodidacte, puis en tant que graphiste et récemment en tant que plasticien. Il apprécie les projets hybrides et les collaborations qui combinent différentes pratiques, telles que le video-mapping ou la réalité augmentée. Ses œuvres se caractérisent par l'utilisation de la géométrie et de la lumière, que ce soit dans ses toiles peintes à l'aérosol ou dans ses structures en volumes utilisant des matériaux tels que le bois, le carton plume et la laine, en hommage à la nature et aux astres. Laurent aspire à un art total, combinant la peinture, la graphique et le numérique, transcendant le support fixe. Ses compositions en triangles saccadés évoquent le cubisme tout en intégrant une hybridation ouverte à la sensation, au lyrisme et à la spatialisation, repoussant ainsi les limites restrictives associées au cubisme. En projetant des couleurs ou des lumières sur des surfaces programmées, il réalise une vision similaire à celle que Malévitch envisageait dans ses Architectones en 1920.

Laurent, né en 1985, est un artiste passionné de graffiti basé près de Montpellier. Depuis 1997, il pratique la peinture, d'abord en tant que graffeur autodidacte, puis en tant que graphiste et récemment en tant que plasticien.
Il apprécie les projets hybrides et les collaborations qui combinent différentes pratiques, telles que le video-mapping ou la réalité augmentée. Ses œuvres se caractérisent par l'utilisation de la géométrie et de la lumière, que ce soit dans ses toiles peintes à l'aérosol ou dans ses structures en volumes utilisant des matériaux tels que le bois, le carton plume et la laine, en hommage à la nature et aux astres.
Laurent aspire à un art total, combinant la peinture, la graphique et le numérique, transcendant le support fixe. Ses compositions en triangles saccadés évoquent le cubisme tout en intégrant une hybridation ouverte à la sensation, au lyrisme et à la spatialisation, repoussant ainsi les limites restrictives associées au cubisme. En projetant des couleurs ou des lumières sur des surfaces programmées, il réalise une vision similaire à celle que Malévitch envisageait dans ses Architectones en 1920.

Laurent Peybernes

LAURENT PEYBERNES Monochrome blanc 7 52 x 72 cm Aluminium, carton plume et peinture aérosol sur bois, encadrement sous verre musée 2019

LAURENT PEYBERNES
Monochrome blanc 7
52 x 72 cm
Aluminium, carton plume et peinture aérosol sur bois,&nbsp;encadrement sous verre musée
2019

LAURENT PEYBERNES - Monochrome blanc 7

LAURENT PEYBERNES Monochrome blanc 6 52 x 72 cm Carton plume et peinture aérosol sur bois, encadrement sous verre musée 2019

LAURENT PEYBERNES
Monochrome blanc 6
52 x 72 cm
Carton plume et peinture aérosol sur bois,&nbsp;encadrement sous verre musée
2019

LAURENT PEYBERNES - Monochrome blanc 6

LAURENT PEYBERNES Bois & Métal 6 52 x 72 cm Aluminium, bois d'olivier et peinture aérosol sur bois, encadrement blanc et sur-cadre argent 2020

LAURENT PEYBERNES
Bois &amp; Métal 6
52 x 72 cm
Aluminium, bois d'olivier et peinture aérosol sur bois,&nbsp;encadrement blanc et sur-cadre argent
2020

LAURENT PEYBERNES - Bois & Métal 6

Sculptures

Guillaume MARTIN-TATON est né en 1991. La peinture a toujours fait partie de sa vie, avec une mère artiste peintre et un père entrepreneur dans le secteur de la peinture industrielle (thermolaquage : dépôt de peinture en poudre par effet électrostatique, polymérisant à 200°C). Pendant ses études de master aux Beaux-Arts de Montpellier, il a effectué un échange à la National Art School de Sydney, où il a développé son univers artistique inspiré des marquages au sol et de la signalétique. L'homme moderne s'est inspiré de la nature pour établir la signalisation (aposématisme : ensemble des mécanismes par lesquels un animal envoie un signal à d'éventuels prédateurs pour les avertir de sa toxicité). Nos déplacements dans l'espace urbain sont conditionnés par ce code. Martin-Taton utilise cette caractéristique comme support, établissant ainsi un inventaire et une nomenclature de formes sur lesquelles il peut s'appuyer dans son travail artistique. Ses créations prennent des formes plurielles : peintures, sculptures, céramiques, installations, performances. Il considère les marquages au sol et la signalétique comme un langage universel compris par presque toute la population. En tant que tel, il y voit le fondement de l'identité tribale de l'humanité. Son processus créatif s'articule autour d'une mythologie personnelle, dans laquelle Manitou Marginal Lutte, son alter ego, s'approprie ce code pour le fusionner avec son propre alphabet composé de 676 caractères. Réunir ce code universellement compris avec cet alphabet encore inconnu met en évidence les valeurs tribales que l'artiste lui accorde. Les bandes rayées noires et jaunes, rouges et blanches, les couleurs fluorescentes et les matériaux rétro-réfléchissants font partie du dictionnaire de couleurs et de matériaux qu'il s'impose pour produire les artefacts liés à cette tribu.

Guillaume MARTIN-TATON est né en 1991. La peinture a toujours fait partie de sa vie, avec une mère artiste peintre et un père entrepreneur dans le secteur de la peinture industrielle (thermolaquage : dépôt de peinture en poudre par effet électrostatique, polymérisant à 200°C). Pendant ses études de master aux Beaux-Arts de Montpellier, il a effectué un échange à la National Art School de Sydney, où il a développé son univers artistique inspiré des marquages au sol et de la signalétique.
<meta charset="utf-8">L'homme moderne s'est inspiré de la nature pour établir la signalisation (aposématisme : ensemble des mécanismes par lesquels un animal envoie un signal à d'éventuels prédateurs pour les avertir de sa toxicité).&nbsp;Nos déplacements dans l'espace urbain sont conditionnés par ce code. Martin-Taton utilise cette caractéristique comme support, établissant ainsi un inventaire et une nomenclature de formes sur lesquelles il peut s'appuyer dans son travail artistique. Ses créations prennent des formes plurielles : peintures, sculptures, céramiques, installations, performances. Il considère les marquages au sol et la signalétique comme un langage universel compris par presque toute la population. En tant que tel, il y voit le fondement de l'identité tribale de l'humanité.
Son processus créatif s'articule autour d'une mythologie personnelle, dans laquelle Manitou Marginal Lutte, son alter ego, s'approprie ce code pour le fusionner avec son propre alphabet composé de 676 caractères. Réunir ce code universellement compris avec cet alphabet encore inconnu met en évidence les valeurs tribales que l'artiste lui accorde. Les bandes rayées noires et jaunes, rouges et blanches, les couleurs fluorescentes et les matériaux rétro-réfléchissants font partie du dictionnaire de couleurs et de matériaux qu'il s'impose pour produire les artefacts liés à cette tribu.

Guillaume Martin-Taton

GUILLAUME MARTIN-TATON (MANITOU MARGINAL LUTTE) Chandelle 61 x 25.5 x 26 cm Céramique émaillée 2021

GUILLAUME MARTIN-TATON (MANITOU MARGINAL LUTTE)
Chandelle
61 x 25.5 x 26 cm
Céramique émaillée
2021

GUILLAUME MARTIN-TATON (MANITOU MARGINAL LUTTE) - Chandelle

GUILLAUME MARTIN-TATON (MANITOU MARGINAL LUTTE) Lii 42 x 44 x 49 cm Faïence émaillée 2021

GUILLAUME MARTIN-TATON (MANITOU MARGINAL LUTTE)
Lii
42 x 44 x 49 cm
Faïence émaillée
2021

GUILLAUME MARTIN-TATON (MANITOU MARGINAL LUTTE) - Lii

GUILLAUME MARTIN-TATON (MANITOU MARGINAL LUTTE) Li 32 x 30 x 11 cm Grés émaillé 2019

&nbsp;GUILLAUME MARTIN-TATON (MANITOU MARGINAL LUTTE)
Li
32 x 30 x 11 cm
Grés émaillé
2019

GUILLAUME MARTIN-TATON (MANITOU MARGINAL LUTTE) - Li

GUILLAUME MARTIN-TATON (MANITOU MARGINAL LUTTE) YY 75 x 115 cm Acrylique et peinture de marquage au sol 2019

GUILLAUME MARTIN-TATON (MANITOU MARGINAL LUTTE)
YY
75 x 115 cm
Acrylique et peinture de marquage au sol
2019

GUILLAUME MARTIN-TATON (MANITOU MARGINAL LUTTE) - YY

GUILLAUME MARTIN-TATON (MANITOU MARGINAL LUTTE) MuaontiitnoauM 115 x 200 cm Acrylique et peinture de marquages au sol 2019

GUILLAUME MARTIN-TATON (MANITOU MARGINAL LUTTE)
MuaontiitnoauM
115 x 200&nbsp;cm
Acrylique et peinture de marquages au sol
2019

GUILLAUME MARTIN-TATON (MANITOU MARGINAL LUTTE) - MuaontiitnoauM

GUILLAUME MARTIN-TATON (MANITOU MARGINAL LUTTE) Toile de parasol I 260 x 260 cm Techniques mixtes 2021

GUILLAUME MARTIN-TATON (MANITOU MARGINAL LUTTE)
Toile de parasol I
260 x 260 cm
Techniques mixtes
2021

GUILLAUME MARTIN-TATON (MANITOU MARGINAL LUTTE) - Toile de parasol I

Grègór est né en 1989 d'une mère hongroise et d'un père camerounais au sein d'une société religieuse mormone. À l'âge de 21 ans, il quitte cette communauté pour suivre sa propre voie en tant qu'artiste. Il commence par s'inspirer des maîtres du clair-obscur, notamment Rembrandt, dont la façon d'éclairer le mystère et l'absolu l'influence profondément. Il a étudié le dessin à la Cité des Arts de Chambéry. Pour approfondir sa réflexion artistique, il intègre l'École Supérieure des Beaux-Arts de Nîmes, Cherbourg et Caen. En 2018, il obtient son diplôme national d'art. Grègór oscille entre intériorité et extériorité, peinture et musique. Son parcours artistique atypique vise à déconstruire pour révéler l'essence de l'être, dans une quête métaphysique. Son travail explore les mystères de l'existence, la nature, le cosmos, l'esprit et la religion, offrant ainsi une nouvelle expérience de la métaphysique à travers l'art. Grâce à la couleur, à l'énergie et à la dimension spirituelle qui se dégagent de ses œuvres, Grègór offre une expérience sensorielle qui invite le spectateur à se connecter à son intuition et à son imaginaire, en laissant de côté sa réalité propre pour accueillir une nouvelle expérience. Sa quête singulière mais existentielle suscite des questionnements éternels.

Grègór est né en 1989 d'une mère hongroise et d'un père camerounais au sein d'une société religieuse mormone. À l'âge de 21 ans, il quitte cette communauté pour suivre sa propre voie en tant qu'artiste. Il commence par s'inspirer des maîtres du clair-obscur, notamment Rembrandt, dont la façon d'éclairer le mystère et l'absolu l'influence profondément. Il a étudié le dessin à la Cité des Arts de Chambéry.&nbsp;Pour approfondir sa réflexion artistique, il intègre l'École Supérieure des Beaux-Arts de Nîmes, Cherbourg et Caen. En 2018, il obtient son diplôme national d'art.
Grègór oscille entre intériorité et extériorité, peinture et musique. Son parcours artistique atypique vise à déconstruire pour révéler l'essence de l'être, dans une quête métaphysique. Son travail explore les mystères de l'existence, la nature, le cosmos, l'esprit et la religion, offrant ainsi une nouvelle expérience de la métaphysique à travers l'art. Grâce à la couleur, à l'énergie et à la dimension spirituelle qui se dégagent de ses œuvres, Grègór offre une expérience sensorielle qui invite le spectateur à se connecter à son intuition et à son imaginaire, en laissant de côté sa réalité propre pour accueillir une nouvelle expérience. Sa quête singulière mais existentielle suscite des questionnements éternels.

Gregor Belibi Minya

GREGOR BELIBI MINYA B9 Max 75 x 115 cm Acrylique et pastel à l’huile sur toile 2019

GREGOR BELIBI MINYA
B9 Max
75 x 115 cm
Acrylique et pastel à l’huile sur toile
2019

GREGOR BELIBI MINYA - B9 Max

GREGOR BELIBI MINYA Fields of Possibility no.3 60 x 80 cm Pastels à l'huile sur toile 2022

GREGOR BELIBI MINYA
Fields of Possibility no.3
60 x 80 cm
Pastels à l'huile sur toile
2022

GREGOR BELIBI MINYA - Fields of Possibility no.3

GREGOR BELIBI MINYA Fields of Possibility no.1 75 x 115 cm Pastels à l'huile sur toile 2022

GREGOR BELIBI MINYA
Fields of Possibility no.1
75 x 115 cm
Pastels à l'huile sur toile
2022

GREGOR BELIBI MINYA - Fields of Possibility no.1

GREGOR BELIBI MINYA House no.7 75 x 115 cm Huile et pastels à l'huile sur toile. 2022

GREGOR BELIBI MINYA
House no.7
75 x 115 cm
Huile et pastels à l'huile sur toile.
2022

GREGOR BELIBI MINYA - House no.7

GREGOR BELIBI MINYA House no.6 75 x 115 cm Pastels à l'huile sur toile. 2022

GREGOR BELIBI MINYA
House no.6
75 x 115 cm
Pastels à l'huile sur toile.
2022

GREGOR BELIBI MINYA - House no.6

GREGOR BELIBI MINYA Sainte Couronne no.3 75 x 115 cm Pastels à l'huile sur toile. 2022

GREGOR BELIBI MINYA
Sainte Couronne no.3
75 x 115 cm
Pastels à l'huile sur toile.
2022

GREGOR BELIBI MINYA - Sainte Couronne no.3

Mehdi Cibille est un artiste né en 1976 en région parisienne, à Sartrouville, et qui vit et travaille actuellement à Aix-en-Provence. Depuis le début des années 2000, il explore l'élasticité visuelle et graphique d'une forme composée de quatre sphères reliées entre elles par de petites rotules. Cette forme, appelée Module de Zeer, est tracée en noir avec un trait épais qui délimite et contient. Mehdi Cibille interroge la permanence plastique et l'évolution constante d'un logo devenu logos, mettant cette forme à l'épreuve de différents espaces, supports et échelles. Récemment, Mehdi Cibille a été invité à transposer ses interventions urbaines dans des galeries, créant ainsi des correspondances entre deux démarches en apparence opposées. Son travail dans les galeries vient parfois compléter son travail dans la rue. Les inspirations de Mehdi Cibille proviennent de la bande dessinée (Métal Hurlant, Mœbius, Druillet), de la culture Punk et New Wave des années 1980 et 1990, ainsi que de son enfance et de sa jeunesse marquées par un univers musical effervescent, dont il retient l'éloquence des productions visuelles telles que les pochettes de vinyle, les posters et les affiches de concert. Mehdi Cibille devient ainsi l' "artisan" du Module de Zeer et investit l'espace urbain, en particulier les murs, les parcs, les bâtiments désaffectés et les friches industrielles. Son art, qui relève du Street Art, est également un acte social et politique. Chaque intervention lui permet de repousser les limites du Module de Zeer. Le motif se transforme au gré des variations imposées par l'artiste. Par ses interventions, Mehdi Cibille pointe les failles, les paradoxes et les contradictions de l'espace public, invitant ainsi à prendre place dans le collectif et dans ce qui constitue la société.

Mehdi Cibille est un artiste né en 1976 en région parisienne, à Sartrouville, et qui vit et travaille actuellement à Aix-en-Provence. Depuis le début des années 2000, il explore l'élasticité visuelle et graphique d'une forme composée de quatre sphères reliées entre elles par de petites rotules. Cette forme, appelée Module de Zeer, est tracée en noir avec un trait épais qui délimite et contient. Mehdi Cibille interroge la permanence plastique et l'évolution constante d'un logo devenu logos, mettant cette forme à l'épreuve de différents espaces, supports et échelles.&nbsp;Récemment, Mehdi Cibille a été invité à transposer ses interventions urbaines dans des galeries, créant ainsi des correspondances entre deux démarches en apparence opposées. Son travail dans les galeries vient parfois compléter son travail dans la rue.
<meta charset="utf-8">Les inspirations de Mehdi Cibille proviennent de la bande dessinée (Métal Hurlant, Mœbius, Druillet), de la culture Punk et New Wave des années 1980 et 1990, ainsi que de son enfance et de sa jeunesse marquées par un univers musical effervescent, dont il retient l'éloquence des productions visuelles telles que les pochettes de vinyle, les posters et les affiches de concert.&nbsp;
Mehdi Cibille devient ainsi l' "artisan" du Module de Zeer et investit l'espace urbain, en particulier les murs, les parcs, les bâtiments désaffectés et les friches industrielles. Son art, qui relève du Street Art, est également un acte social et politique. Chaque intervention lui permet de repousser les limites du Module de Zeer. Le motif se transforme au gré des variations imposées par l'artiste. Par ses interventions, Mehdi Cibille pointe les failles, les paradoxes et les contradictions de l'espace public, invitant ainsi à prendre place dans le collectif et dans ce qui constitue la société.&nbsp;

Mehdi Cibille

MEHDI CIBILLE - LE MODULE DE ZEER Module Logo Red Neon 70 x 60 cm Néon 2013 PRODUCTION SUR COMMANDE

MEHDI CIBILLE - LE MODULE DE ZEER
Module Logo Red Neon
70 x 60 cm
Néon
2013
&nbsp;
PRODUCTION SUR COMMANDE

MEHDI CIBILLE (LE MODULE DE ZEER) - Module Logo Red Neon

MEHDI CIBILLE - LE MODULE DE ZEER Multiples singles, Alberto 30 x 30 cm Corian et acrylique 2021

MEHDI CIBILLE - LE MODULE DE ZEER
Multiples singles, Alberto
30 x 30 cm
Corian et acrylique
2021

MEHDI CIBILLE (LE MODULE DE ZEER) - Multiples singles, Alberto

MEHDI CIBILLE - LE MODULE DE ZEER Anselm 120 x 120 cm Acrylique vanta noir sur bois coupé à la main 2021

MEHDI CIBILLE - LE MODULE DE ZEER
Anselm
120 x 120 cm
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Acrylique vanta noir sur bois coupé à la main
2021
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MEHDI CIBILLE (LE MODULE DE ZEER) - Anselm

MEHDI CIBILLE - LE MODULE DE ZEER Red Dot 120 120 cm de diamètre Acrylique mate et sable siliceux sur toile 2022

MEHDI CIBILLE - LE MODULE DE ZEER
Red Dot 120
120 cm de diamètre
Acrylique mate et sable siliceux sur&nbsp;toile
2022

MEHDI CIBILLE (LE MODULE DE ZEER) - Red Dot 120

Silvio Mildo est né à Marseille en 1992. Ses parents ont des origines portugaises pour son père et arméniennes pour sa mère. Depuis son enfance, il nourrit un vif intérêt pour l'art. Cependant, c'est en tant qu'autodidacte qu'il devient peintre à l'âge de 22 ans. Pour Silvio Mildo, la création artistique est une affaire d'énergie et de mouvement. Ses œuvres, abstraites et parfois primitives, captent l'émergence de ses pensées, de ses souvenirs et de ses émotions, offrant ainsi un journal intime de sa vie et de ses états d'âme. Selon lui, lorsqu'il peint, il exprime pleinement sa personne. Pour se réapproprier son histoire familiale, il choisit de se concentrer obsessionnellement sur un motif : l'abricot. En réinterprétant cet emblème de l'Arménie, il simplifie sa palette et aère ses compositions afin de canaliser ses élans créatifs et de laisser une place prépondérante aux esquisses et aux traits. Selon lui, il a décidé de peindre "à voix basse". Cette orientation artistique lui permet également de s'approcher de la figuration et de se confronter au genre de la nature morte, poussant ainsi plus avant l'exploration du territoire pictural auquel il s'est entièrement dévoué.

Silvio Mildo est né à Marseille en 1992. Ses parents ont des origines portugaises pour son père et arméniennes pour sa mère. Depuis son enfance, il nourrit un vif intérêt pour l'art. Cependant, c'est en tant qu'autodidacte qu'il devient peintre à l'âge de 22 ans. Pour Silvio Mildo, la création artistique est une affaire d'énergie et de mouvement.
<meta charset="utf-8">Ses œuvres, abstraites et parfois primitives, captent l'émergence de ses pensées, de ses souvenirs et de ses émotions, offrant ainsi un journal intime de sa vie et de ses états d'âme. Selon lui, lorsqu'il peint, il exprime pleinement sa personne. Pour se réapproprier son histoire familiale, il choisit de se concentrer obsessionnellement sur un motif : l'abricot. En réinterprétant cet emblème de l'Arménie, il simplifie sa palette et aère ses compositions afin de canaliser ses élans créatifs et de laisser une place prépondérante aux esquisses et aux traits. Selon lui, il a décidé de peindre "à voix basse". Cette orientation artistique lui permet également de s'approcher de la figuration et de se confronter au genre de la nature morte, poussant ainsi plus avant l'exploration du territoire pictural auquel il s'est entièrement dévoué.

Silvio Mildo

SILVIO MILDO Riez la nuit 100 x 80 cm Acrylique et huile sur toile de lin 2022

SILVIO MILDO
Riez la nuit
100 x 80 cm
Acrylique et huile sur toile de lin
2022

SILVIO MILDO - Riez la nuit

SILVIO MILDO Riez le jour 100 x 80 cm Acrylique et huile sur toile de lin 2022

SILVIO MILDO
Riez le jour
100 x 80 cm
Acrylique et huile sur toile de lin
2022

SILVIO MILDO - Riez le jour

SILVIO MILDO Sans Titre 116 x 89 cm Acrylique et huile sur toile de lin 2022

SILVIO MILDO
Sans Titre
116 x 89 cm
Acrylique et huile sur toile de lin
2022

SILVIO MILDO - Sans Titre

Tables

Mobiliers

Paire de blocs holographiques 2019 60 x 25 x 25 cm Parfait état. Ces blocs holographiques ont été utilisés pour les vitrines de Louis Vuitton, lors de la sortie de la collection Homme "Holographic" de Virgil Abloh, présentée durant la Fashion Week de Paris en 2019. La collection holographique de Virgil Abloh pour Louis Vuitton utilise des matériaux iridescents et comprend des pièces emblématiques de la marque. La collection a été présentée lors de la Fashion Week de Paris en 2019 et a été très bien accueillie pour son esthétique futuriste et innovante.

Paire de blocs holographiques 
2019
60 x 25 x 25 cm
Parfait état.
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Ces blocs holographiques ont été utilisés pour les vitrines de Louis Vuitton, lors de la sortie de la collection Homme "Holographic" de Virgil Abloh, présentée durant la Fashion Week de Paris en 2019.
La collection holographique de Virgil Abloh pour Louis Vuitton utilise des matériaux iridescents et comprend des pièces emblématiques de la marque. La collection a été présentée lors de la Fashion Week de Paris en 2019 et a été très bien accueillie pour son esthétique futuriste et innovante.

Paire de blocs holographiques

Assises

Banc en bois manufacturé rose Shocking. XXème siècle 181 cm x 29 cm x 42 cm Bois thermolaqué en rose. En parfait état. Le rose Shocking est une teinte de rose vif et intense créée par le couturier français Elsa Schiaparelli dans les années 1930, devenant rapidement emblématique de la mode de cette époque.

Banc en bois manufacturé rose Shocking.
XXème siècle
181 cm x 29 cm x 42 cm
Bois thermolaqué en rose.
En parfait état.
Le rose Shocking est une teinte de rose vif et intense créée par le couturier français Elsa Schiaparelli dans les années 1930, devenant rapidement emblématique de la mode de cette époque.

Banc en bois manufacturé rose Shocking.

Table basse d'appoint carrée de style Hollywood Regency années 1970 61.5 x 61.5 x 42.5 cm piètement en laiton doré patiné composé de quatre pieds cylindriques et d'un plateau en verre fumé gris maintenu par une mâchoire vissée, offrant une stabilité. Bon état, pas de défaut sur le verre. Cette table d'appoint est un exemple parfait du style Hollywood Regency, qui est toujours aussi populaire aujourd'hui. Elle est idéale pour ajouter une touche de glamour à un intérieur moderne ou vintage, tout en apportant une note de sophistication et de rétro-chic.

Table basse d'appoint carrée de style Hollywood Regency
années 1970
61.5 x 61.5 x 42.5 cm
piètement en laiton doré patiné composé de quatre pieds cylindriques et d'un plateau en verre fumé gris maintenu par une mâchoire vissée, offrant une stabilité.
Bon état, pas de défaut sur le verre.
Cette table d'appoint est un exemple parfait du style Hollywood Regency, qui est toujours aussi populaire aujourd'hui. Elle est idéale pour ajouter une touche de glamour à un intérieur moderne ou vintage, tout en apportant une note de sophistication et de rétro-chic.

Table basse d'appoint carrée de style Hollywood Regency

Méridienne en cuir noir "Sity" par Antonio Citterio pour B&B Italia Année 1980 170 x 93 cm, hauteur d'assise 41 cm, hauteur de dossier 70 cm. Structure en bois massif, rembourrage en mousse de polyuréthane, coussins d'assise et de dossier en plumes d'oie et fibres de polyester, revêtement en cuir noir. Étiquette présente avec la marque et les détails de construction. En parfait état. Le canapé "Sity" a été conçu par Antonio Citterio pour B&B Italia en 1986 et a remporté le compasso d’oro en 1987. Son design élégant et intemporel en fait un choix idéal pour les intérieurs modernes et classiques. Il peut également être utilisé comme fauteuil en soi.

Méridienne en cuir noir "Sity" par Antonio Citterio pour B&amp;B Italia
Année 1980
170 x 93 cm, hauteur d'assise 41 cm, hauteur de dossier 70 cm.
Structure en bois massif, rembourrage en mousse de polyuréthane, coussins d'assise et de dossier en plumes d'oie et fibres de polyester, revêtement en cuir noir.&nbsp;Étiquette présente avec la marque et les détails de construction.
En parfait état.
Le canapé "Sity" a été conçu par Antonio Citterio pour B&amp;B Italia en 1986 et a remporté le compasso d’oro en 1987. Son design élégant et intemporel en fait un choix idéal pour les intérieurs modernes et classiques. Il peut également être utilisé comme fauteuil en soi.

Méridienne en cuir noir "Sity" par Antonio Citterio pour B&B Italia

Luminaires

Luminaire-sculpture designé par Clementine Gil édité par Galaxies Decors et réalisé par nos partenaires. Structure en fonte d’aluminium, composé de quatre globes en verre de Bohème soufflés à la bouche aux couleurs assorties. 161 x 39.5 x 26 cm Pièce unique édité en 2023 par Galaxies Decors

Luminaire-sculpture designé par Clementine Gil édité par Galaxies Decors et réalisé par nos partenaires.
Structure en fonte d’aluminium, composé de quatre globes en verre de Bohème soufflés à la bouche aux couleurs assorties.
161 x 39.5 x 26 cm
Pièce unique édité en 2023 par Galaxies Decors

Luminaire-sculpture designé édité par Galaxies Decors

Piètement en aluminium chromé, simple soudure aux angles avec deux pieds corolle. Plateau en verre vague par Saint-Gobain. Bon état général, présentes quelques accros. 225 x 85 x 74.5 cm Cette table a probablement été réalisée par Le Corbusier pour une série de maisons dans le sud de la France. Le plateau en verre est fabriqué par Saint-Gobain, une entreprise renommée pour ses matériaux de haute qualité.

Piètement en aluminium chromé, simple soudure aux angles avec deux pieds corolle. Plateau en verre vague par Saint-Gobain.
Bon état général, présentes quelques accros.
225 x 85 x 74.5 cm
Cette table a probablement été réalisée par Le Corbusier pour une série de maisons dans le sud de la France. Le plateau en verre est fabriqué par Saint-Gobain, une entreprise renommée pour ses matériaux de haute qualité.

Table de salle à manger dans le style Le Corbusier

Année 2000 Assise 44.5 x 44.5 cm, hauteur 45 cm, hauteur de dossier 84 cm. En parfait état, manque les coussins d'assise. Structure en acier thermolaqué noir avec assises perforées. Chaises de terrasse pouvant être utilisées dans un intérieur.

Année 2000
Assise 44.5 x 44.5 cm, hauteur 45 cm, hauteur de dossier 84 cm.
En parfait état, manque les coussins d'assise.
Structure en acier&nbsp;thermolaqué&nbsp;noir avec assises perforées.
Chaises de terrasse pouvant être utilisées dans un intérieur.

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